Потрясающие обои в стиле великих художников
Krepysh-ufa.ru

Строительный портал

Потрясающие обои в стиле великих художников

Обои от Уильяма Морриса

Великий английский декоратор и основатель артистического направления «Искусства и ремесла» (Arts and Crafts) Уильям Моррис (William Morris) был первым художником, который отнесся к обойной печатной графике как к отдельной дисциплине изобразительного искусства. До его первых графических опытов, обои были дешевым средством для декорации викторианских интерьеров в домах с низким достатком, после – они стали украшением художественных салонов и самых богатых буржуазных домов Великобритании.

Первым дизайном обоев Морриса была «Садовая решетка», образцом которой, предположительно, послужила декоративная ограда из его собственного сада в Бекслихите (Bexleyheath) в Кенте. Эскиз был готов в 1862 году, но из-за неудачных опытов с печатью с цинковых пластин, обои были выпущены мануфактурой Morris & Co только в 1864 году. Первым же печатным образцом обоев, выпущенных серийно, стал более простой по графике дизайн Daisy, представляющий собой живописный «гербарий» из полевых цветов. Источником вдохновения для этого сюжета послужил декор настенного ковра XV столетия, иллюстрировавший Хроники Фройссарта, но подобные легкие цветочные мотивы были характерны и для французских средневековых гобеленов, получивших название mille-fleur («тысяча цветов»). В эти двух проектах, а также в следующей графической работе Морриса – Pomegranate («Гранат»), безусловно, прослеживается влияние средневекового орнамента, что сближает его живописную манеру с работами прерафаэлитов и с идеями Джона Рёскина.

Дизайн “Садовая решетка”, 1864

В дальнейшем при разработке новых эскизов художник использовал свои зарисовки садовых растений, растущих около дома или привезенных из путешествий по стране, гравюры и гербарии XVI-XVII столетия (он владел небольшой коллекцией, включающей и знаменитый Gerard’s Herball), старинные рукописи, гобелены и текстиль. Всего Моррис создал 50 оригинальных разработок для печатных обоев, в которых очевидна его привязанность к путанным и витиеватым орнаментам – из желания замаскировать неминуемый «механический» повтор. Его мануфактура выпустила также 49 видов обоев, разработанных другими художниками, приверженцев эстетики «Искусств и ремесел».

Но забавная деталь, характеризующая нравы эпохи: при всех своих искусных разработках и передовых взглядах на интерьерный декор, в оформлении собственного дома – Kelmscott House в Хаммерсмите (Hammersmith) – Уильям Моррис использовал текстильную драпировку. Даже несмотря на высокую стоимость, произведенных в его мастерских и отпечатанных вручную обоев, для него, как для богатого человека и эстетического сноба, они по-прежнему оставались лишь дешевой заменой традиционному оформлению стен.

Дизайн “Гранат”, 1866

Однако в обществе благодаря экспериментам Морриса уже назревала великая эстетическая революция: все больше состоятельных людей заказывало компании Morris&Co оригинальные печатные обои, в 1870-80-х годах многочисленные гиды по отделке и декору дома рекомендовали использовать обои Морриса, сопровождая иллюстрации советами по выбору цвета и стиля. Кульминацией растущей популярности обойных графических образцов художника, стал неминуемый процесс подражания: в очень скором времени множество проектировщиков и изготовителей наводнили рынок дешевыми обоями в стиле Морриса. А к 1890-м годам интерьер, декорированный обоями Morris & Co, – стал признаком артистической атмосферы дома среднего класса.

Дизайн “Акант”, 1875

В общеисторической перспективе плоскостные графические стилизации флористических мотивов Морриса позволили художникам отойти от формализма и дидактизма классических орнаментов (что, к примеру, не удалось другим графистам-«первопроходцам», работавшим со средневековой этнической символикой – Огюстюсу Шарлю Пюжану ( Augustus Charles Pugin ) и Оуену Джонсу (Owen Jones). Следующее поколение английских и отчасти европейских проектировщиков выросло уже на реформаторском наследии Морриса, получив большую свободу в рисунке и сюжетной вариативности (лучший тому пример – дизайн обоев английского архитектора Чарльза Войси (Charles Voysey)).

Обои от Уильяма Морриса

Великий английский декоратор и основатель артистического направления «Искусства и ремесла» (Arts and Crafts) Уильям Моррис (William Morris) был первым художником, который отнесся к обойной печатной графике как к отдельной дисциплине изобразительного искусства. До его первых графических опытов, обои были дешевым средством для декорации викторианских интерьеров в домах с низким достатком, после – они стали украшением художественных салонов и самых богатых буржуазных домов Великобритании.

Первым дизайном обоев Морриса была «Садовая решетка», образцом которой, предположительно, послужила декоративная ограда из его собственного сада в Бекслихите (Bexleyheath) в Кенте. Эскиз был готов в 1862 году, но из-за неудачных опытов с печатью с цинковых пластин, обои были выпущены мануфактурой Morris & Co только в 1864 году. Первым же печатным образцом обоев, выпущенных серийно, стал более простой по графике дизайн Daisy, представляющий собой живописный «гербарий» из полевых цветов. Источником вдохновения для этого сюжета послужил декор настенного ковра XV столетия, иллюстрировавший Хроники Фройссарта, но подобные легкие цветочные мотивы были характерны и для французских средневековых гобеленов, получивших название mille-fleur («тысяча цветов»). В эти двух проектах, а также в следующей графической работе Морриса – Pomegranate («Гранат»), безусловно, прослеживается влияние средневекового орнамента, что сближает его живописную манеру с работами прерафаэлитов и с идеями Джона Рёскина.

Дизайн “Садовая решетка”, 1864

В дальнейшем при разработке новых эскизов художник использовал свои зарисовки садовых растений, растущих около дома или привезенных из путешествий по стране, гравюры и гербарии XVI-XVII столетия (он владел небольшой коллекцией, включающей и знаменитый Gerard’s Herball), старинные рукописи, гобелены и текстиль. Всего Моррис создал 50 оригинальных разработок для печатных обоев, в которых очевидна его привязанность к путанным и витиеватым орнаментам – из желания замаскировать неминуемый «механический» повтор. Его мануфактура выпустила также 49 видов обоев, разработанных другими художниками, приверженцев эстетики «Искусств и ремесел».

Но забавная деталь, характеризующая нравы эпохи: при всех своих искусных разработках и передовых взглядах на интерьерный декор, в оформлении собственного дома – Kelmscott House в Хаммерсмите (Hammersmith) – Уильям Моррис использовал текстильную драпировку. Даже несмотря на высокую стоимость, произведенных в его мастерских и отпечатанных вручную обоев, для него, как для богатого человека и эстетического сноба, они по-прежнему оставались лишь дешевой заменой традиционному оформлению стен.

Дизайн “Гранат”, 1866

Однако в обществе благодаря экспериментам Морриса уже назревала великая эстетическая революция: все больше состоятельных людей заказывало компании Morris&Co оригинальные печатные обои, в 1870-80-х годах многочисленные гиды по отделке и декору дома рекомендовали использовать обои Морриса, сопровождая иллюстрации советами по выбору цвета и стиля. Кульминацией растущей популярности обойных графических образцов художника, стал неминуемый процесс подражания: в очень скором времени множество проектировщиков и изготовителей наводнили рынок дешевыми обоями в стиле Морриса. А к 1890-м годам интерьер, декорированный обоями Morris & Co, – стал признаком артистической атмосферы дома среднего класса.

Дизайн “Акант”, 1875

В общеисторической перспективе плоскостные графические стилизации флористических мотивов Морриса позволили художникам отойти от формализма и дидактизма классических орнаментов (что, к примеру, не удалось другим графистам-«первопроходцам», работавшим со средневековой этнической символикой – Огюстюсу Шарлю Пюжану ( Augustus Charles Pugin ) и Оуену Джонсу (Owen Jones). Следующее поколение английских и отчасти европейских проектировщиков выросло уже на реформаторском наследии Морриса, получив большую свободу в рисунке и сюжетной вариативности (лучший тому пример – дизайн обоев английского архитектора Чарльза Войси (Charles Voysey)).

ТОП-10. Самые страшные картины
выдающихся художников

Привыкли получать от произведений искусства эстетическое наслаждение и удовольствие? Но мир живописи может вас не только удивить, но и напугать. На протяжении веков великие художники создавали выдающиеся полотна, от которых у зрителей волосы вставали дыбом.

Вы не испытываете неприятное волнение при виде «Крика» Мунка? Или есть другая нарисованная «страшилка», которая впечаталась в вашу память? Artifex подобрал для вас 10 картин, которые точно не стоит разглядывать перед сном.

10. Караваджо, «Юдифь и Олоферн», 1599

Открывает топ реалистичное полотно итальянского мастера Микеланджело де Караваджо по мотивам ветхозаветной «Книги Юдифи». Легенда о девушке, которая ради своего народа пошла в стан врага, завоевала доверие полководца Олоферна и ночью отрубила ему голову, долгое время волновала художников по всей Европе. Обычно ее изображали с отрубленной головой в руке посреди лагеря врагов, но Караваджо решил отразить сам момент убийства. Благодаря такому решению, художник передал не только атмосферу кровопролития, но и эмоции убийцы и жертвы.

9. Бугро, «Данте и Вергилий в аду», 1850

Французский художник XIX века Адольф Вильям Бугро очень любил поэму Данте «Божественная комедия». Художник изобразил сцену из XXX песни той части поэмы, которая называется «Ад». На восьмом кругу преисподней главные герои наблюдают, как две проклятые души измываются над обманщиком. Бугро долго работал над цветовой палитрой картины и изучал эстетические границы человека. Картина, по замыслу художника, должна была передать страх и ужас от происходящего в подземном мире. На Салоне 1850 года эта работа вызвала отвращение у публики.

Читать еще:  Покрасочная камера в гараже своими руками

Знаменитый триптих Иеронима Босха до сих пор таит в себе множество загадок для исследователей. Ни одно из толкований работы, существующее сегодня, не признано исчерпывающим. Триптих показал всю полноту фантазии и мастерства художника. Он посвящен греху сладострастия, и все три части отображают главную идею Босха в мельчайших деталях. На внешних створках триптиха изображена безмятежная картина мироздания, но, открыв их, погружаешься в атмосферу безумного хаоса.

Не спутайте эту картину с одноименной величественной работой Жака Луи Давида, ставшей своеобразным символом Французской революции. Эдвард Мунк писал свое полотно спустя 114 лет после Давида, и основное внимание уделил не фигуре революционного публициста, а моменту его убийства. В своей неподражаемой манере автор «Крика» изображает обнаженную Шарлотту Корде спустя мгновение после того, как она жестоко зарезала Марата. Нагнетающие мазки и обилие крови дополняют пугающий эффект от картины.

6. Блейк «Великий красный дракон и морское чудовище», 1806-1809

Уильям Блейк заслуженно считается одним из самых таинственных английских художников и гравёров. Этого живописца с детства мучили призраки и видения, позже он изобразил их в своих произведениях. Серию картин Блейк посвятил Красному дракону из «Откровения Иоанна Богослова». На этой картине дракон олицетворяет Сатану, возвышающегося над еще одним демоном – морским чудищем. Эпичность и детальная проработка монстров не только пугают, но и вызывают восхищение.

5. Бэкон, «Исследование портрета Иннокентия Х Веласкеса», 1953

Работа является переосмыслением «Портрета Папы Иннокентия X» Диего Веласкеса. Классик английского экспрессионизма Френсис Бэкон написал около 40 подобных полотен, вошедших в серию «Кричащие папы». Художник изменил цвет одежды папы с красного на фиолетовый и написал все полотно в темных тонах. Благодаря технике мастера, работа не вызывает ассоциаций с исходным портретом Веласкеса, но зато производит пугающее и гнетущее впечатление.

Эта картина знаменитого испанского художника способна вызвать приступ паники у зрителя. Сальвадор Дали играет не только с символами, но и с передачей настроения. Конструкция из головы, окутанной змеями, все уменьшающиеся черепа в глазницах того, что когда-то было человеком, символизирует бесконечный цикл смертей. В правом нижнем углу художник «оставил» отпечаток свой руки. А типичная для творчества Дали пустыня и желтые тона придают этой картине оттенок параноидального сумасшествия.

3. Гойя, «Сатурн, пожирающий своего сына», 1819-1823

Некоторые гравюры Франсиско Гойи могут напугать даже взрослого человека. Среди них интерпретация сюжета из древнегреческой мифологии, где титан Кронос пожирает своих детей в страхе быть свергнутым одним из них, кажется самой жуткой. Гойя изобразил безумие на лице и без того безобразного монстра, что еще больше сгущает атмосферу ужаса происходящего. Эта работа «украшала» стену в его «Доме Глухого», но вряд ли кому-нибудь еще захотелось бы пройти мимо такой картины в своем доме ночью.

Художник Кен Карри родился в Англии в 1960 году. На его мрачных полотнах отражаются процессы, происходящие в современном мире. Картины Карри воздействуют на психику зрителя, создают у него чувство безысходности и страха, но в то же время подталкивают к размышлениям. Жуткий автопортрет художника представляет собой плод его раздумий над метафизическими вопросами, связанными с разложением современного общества и сознания человека.

1. Рапп, «Проигрыш разума перед материей», 1973

Даже мельком взглянув на картину австрийского художника Отто Раппа, хочется сразу же отвести взгляд. Разлагающаяся человеческая голова на птичьей клетке, нетронутый язык внутри нее – такой «натюрморт» напрягает не только психику зрителей, но и вызывает чисто физиологический дискомфорт. Можно гадать, какой смысл художник вложил в работу, но совершенно очевидно ― это по-настоящему пугающая картина! И если кому-то подобный сюжет приснится ночью, то «благодарить» за кошмар нужно мастерскую технику Раппа.

Модные картины для интерьера. Что сейчас в тренде?

Модные картины – это те, которые соответствуют духу и тенденциям развития дизайна современного интерьера.

Картины во все времена придавали дому благородство и некоторую аристократичность. Да и на имидж хозяина дома это тоже влияет положительно. Ведь образованный человек, неравнодушный к произведениям искусства, всегда вызывает уважение.

Но если раньше это было доступно в основном людям состоятельным либо было уделом истинных ценителей живописи, то сейчас интерьерные картины не сильно обременяют кошельки всех желающих, кто ценит искусство и что-то в этом понимает. Или хотя бы делает вид, что понимает, что тоже не плохо. Ведь лучше так, чем никак.

Времена меняются, меняются стили в живописи, меняются и предпочтения тех, кто приобретает картины. Вот об этих предпочтениях мы и поговорим, а также попытаемся выяснить что собой представляют модные картины в настоящее время.

Какие картины сейчас в тренде?

Нужно признать, что живопись в жанре пейзажа или натюрморта в стиле классического реализма более интересна в настоящее время тем, кто всегда был приверженцем этого вида искусства. То есть приобретают такие картины чаще по причине их художественной ценности, а не с целью декорирования интерьера.

Массового же интереса при оформлении современных интерьеров, к сожалению, классическая живопись в настоящее время не вызывает.

Точнее сказать, такой вид интерьерных картин все же бывает востребован, но наилучшим образом подходит для интерьеров, оформленных в стиле барокко, классицизма или неоклассицизма. Но такие интерьеры присущи в большей степени состоятельным людям, имеющим дома с элементами роскоши. А таких у нас, как известно, не так много, как хотелось бы.

Это совсем не означает, что картины в стиле классического реализма не заслуживают интереса и уважения. Скорее наоборот, но мода, увы, распространяется и на изобразительное искусство…

Поэтому с позиций моды рассмотрим наиболее популярные в настоящее время виды и стили интерьерных картин.

Что собой представляют модные картины для интерьера?

Под интерьерными картинами мы будем понимать кроме авторских работ художников также копии известных картин, постеры в традиционном исполнении и модульные картины.

Нужно сказать, что востребованность при оформлении современных интерьеров определяется не столько типом интерьерной картины, сколько ее стилем. То есть стиль выбранной картины обязательно должен соответствовать стилю оформления интерьера. Только в этом случае она будет органично вписываться в общую концепцию и придавать интерьеру законченный вид.

Если это живопись, то картина выбирается в стиле экспрессионизма или абстракционизма.

Для постеров в классическом их исполнении, то есть обычной прямоугольной формы, предпочтения остаются теми же.

Для модульных картин, которые в настоящее время являются достаточно модными, выбираются очень необычные, эффектные изображения различных тематик.

В общем, если говорить коротко, в настоящее время модные картины для оформления современных интерьеров это те, в которых используются изображения, заставляющие думать и фантазировать, то есть смелые, оригинальные, креативные.

Все сказанное выше справедливо конечно в первую очередь для смелых дизайнерских решений в интерьере, а не классических.

И так, давайте для примера рассмотрим по отдельности различные типы интерьерных картин.

Копии картин известных художников

Как уже было сказано, для современного интерьера в большей степени подходит живопись в стиле импрессионизма. Такие картины более выразительны, динамичны, а значит более соответствуют ритму нашего времени. Причем совсем не обязательно, чтобы это были работы современных авторов. Пейзажи и натюрморты, скажем, Винсента Ван Гога или Моне будут выглядеть в интерьере тоже вполне современно и модно. Что подчеркнет в какой-то степени не только ваш вкус, но и образованность.

Картина в стиле импрессионизма современного автора. Копия картины в том же стиле, но в исполнении художника с мировым именем. Картина достаточно хорошо сочетается со стилем оформления интерьера комнаты. Картина в стиле импрессионизма с изображением страстного испанского танца хорошо подходит по цветовой гамме к некоторым элементам интерьера и вообще удачно вписывается в предложенную концепцию дизайна интерьера.

Читать еще:  Сравнение шифера с металлочерепицей, ондулином и профнастилом

Постеры в современном стиле

Постеры дают больше возможностей для полета фантазии в отличие от классических картин хотя бы потому, что изображений, которые используются для изготовления постеров, существует великое множество на разный вкус и стиль. Это и абстракция, и восточный, африканский стиль, городской пейзаж, тематические постеры, такие как авто-мото и другие. Поэтому здесь всегда есть из чего выбирать. Желательно только, чтобы сюжет постера соответствовал предназначению комнаты, а точнее не противоречил ему.

Кстати, коль мы заговорили о постерах, то хотелось бы задать вам вопрос: а чем собственно отличается постер от картины?

Я спрашиваю потому, что эти два понятия очень часто путают, то и другое называют картинами. Ну, если объединить их таким общим термином как интерьерные картины, то тогда все будет верно. А вообще живописью является только то, что создается рукой человека. Все остальные изображения, получаемые при помощи различных технологий, как раз годятся для постеров.

Вот только несколько примеров.

Оригинальный постер с затейливым изображением выглядит легким и современным в представленном интерьере. Абстрактный постер, ассоциирующийся с солнцем, радугой и вообще просто излучающий тепло и хорошее настроение. Черно-белый постер с изображением стилизованного городского пейзажа хорошо сочетается с диваном и темными элементами пола. Черный цвет вообще очень хорошо сочетается с красным. Поэтому такой интерьер выглядит очень ярко, нарядно и модно. Удачный пример оформления интерьера комнаты в японском стиле. Все элементы интерьера очень хорошо гармонируют друг с другом. Дизайн не броский, но хорошо продуманный. Прекрасное сочетание абстрактного постера с цветовой гаммой интерьера комнаты. Пример удачного сочетания оригинального постера с необычной отделкой стен комнаты.

Модульные картины

Модульные картины по сути своей тоже являются постерами, но только изображение у них разбито на несколько элементов или модулей. Это позволило сделать их очень популярными в настоящее время, поскольку такие картины выглядят очень необычно и современно. Короче говоря — это модные картины, наряду конечно и с другими видами интерьерных картин, которые упоминаются в этой статье. Выбрать модульную картину любого стиля, жанра и направления из каталога товаров одного из самых известных производителей в России вы можете в этом обзоре .

Модульные картины могут располагаться в интерьере как горизонтально, так и вертикально. В первом случае они зрительно расширяют стену, а во втором делают потолки более высокими.

Еще одно важное свойство модульных картин состоит в том, что они даже при очень солидных размерах не выглядят громоздкими в отличие от классических картин так как не имеют рам и изображение разделено на отдельные сегменты. Пример сказанного вы можете видеть внизу на первом изображении.

Прекрасная модульная картина, необыкновенно оживляющая теплый, нарядный интерьер комнаты. Такая своеобразная модульная картина тоже неплохо выглядит в современном интерьере. Очень динамичная модульная картина с изображением скачущего табуна коней соответствует темпу нашего времени. Очень точное сочетание цветовой гаммы абстрактной модульной картины с остальными элементами интерьера. Еще один очень интересный пример грамотного оформления интерьера с использованием необычной модульной картины. Тона интерьера не броские, но не лишенные вкуса.

Так какие же картины для интерьера в настоящее время являются модными?

Модные картины – это те, которые выглядят свежо, стильно и необычно. Примеры таких интерьерных картин вы видели в этой статье. Но конечно же они должны соответствовать как стилю оформления вашей комнаты, так и ее предназначению. Тогда это будет красиво, гармонично и современно.

Что я имел в виду, говоря о предназначении комнаты?

Дело в том, что картина не должна существовать сама по себе. Она должна способствовать созданию именно той атмосферы, которая наиболее комфортна для конкретной комнаты. Понятно же, что для спальни больше подойдут цветочные, романтические и слегка эротические мотивы, чем картина «Бой в Хиосском проливе» или «Иван Грозный убивает своего сына». А вот для гостиной в этом плане ограничений меньше, поэтому здесь можно проявить больше фантазии. Выбор картины в этом случае может определяться стилем оформления комнаты и вашими личными предпочтениями. Выбор картины для кухни тоже имеет свои особенности. Об этом можно подробно прочесть в статье « Как правильно выбрать картину на кухню «.

Более конкретно о том, что можно выбрать в качестве интерьерных картин для вашего дома, рассказывается в статье Купить картину для интерьера .

Удачного Вам выбора и креативных идей в оформлении интерьера!

Поделиться “Модные картины для интерьера. Что сейчас в тренде?”

Как создавались самые известные в мире картины: Интригующие истории полотен великих художников

Получайте на почту один раз в сутки одну самую читаемую статью. Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте.

#1. Святой Георгий и дракон, Паоло Уччелло, 1470

На самом деле у художника есть две версии этой картины. В этой версии, Георгий побеждает дракона, которого Прекрасная Дама держит за поводок. В картине заложен глубокий религиозный смысл. Согласно легенде в озере одного города в Ливии поселился дракон. Император-язычник велел приносить ему в жертву красивых девушек. Когда молодых женщин в городе не осталось, император отправил к дракону свою собственную дочь. Отважный воин Георгий отправился её спасать и поверг дракона. Принцесса здесь символизирует собой гонимую христианскую Церковь, дракон — язычество, а Георгий — христианскую веру. Есть версии, что Георгий, впоследствии признанный святым, попирает не просто язычество, а самого дьявола, «древнего змия».

#2. Jaime La Couleur, Чери Самба, 2003

«J’aime la couleur» – автопортрет художника. Вот как он раскрывает смысл своей работы: «Цвет везде. Я считаю, что цвет – это жизнь. Наша голова должна вращаться по спирали, чтобы понять, что всё, что нас окружает, это не что иное, как цвета. Цвет – это вселенная, вселенная – это жизнь, живопись – это жизнь ».

#3. Баня, Жан-Леон Жером, 1885

Эксперты считают, что данная картина и серия ей подобных, в творчестве Жерома символизируют «белый» снобизм. Это видно по динамике фигур, изображённых на полотне. Белая женщина — объект с главенствующей ролью, в то время как темнокожая женщина демонстрирует покорность.

#4. Сад земных наслаждений, Иероним Босх, 1490-1510

Иероним Босх — один из самых загадочных художников в мире. Символика его картин настолько запутана, что единого объяснения огромному количеству, изображённых на них символов, найти просто невозможно. Конкретная работа получила своё название от исследовавших её искусствоведов. Подлинное название так и осталось неизвестным. Историки считают, что левая панель триптиха — это рай, центральная — современная грешная человеческая жизнь, а правая часть изображает ад. Но вопросов картина порождает гораздо больше, чем даёт ответов.

#5. Шулера, Караваджо, 1594

Эта работа изображает вовсе не карикатуру на порок грязных азартных игр. Это скорее спокойное повествование о том, о чём Караваджо был хорошо осведомлён. Ведь сам художник проводил жизнь весьма фривольно и даже бурно. Сюжет сводится к описанию разворачивающейся драмы — драмы обмана и утраченной невинности. Наивного юнца взяли в оборот опытные шулера. Старший подглядывает ему в карты и подаёт знаки другому шулеру.

#6. Уотсон и акула, Джон Синглтон Копли, 1778

На картине изображён случай из реальной жизни. В 1749 году, в Гаване, Брук Уотсон, 14-летний юнга, решил искупаться. Его атаковала акула. Капитан корабля на котором служил мальчик, пытается спасти его, убив акулу гарпуном. Капитану удалось это только с третьей попытки. Уотсон, в этом неравном сражении, потерял ступню. Всю жизнь потом он ходил с деревянной ногой. Это никак не помешало стать ему мэром Лондона. В это же время он познакомился с художником и рассказал ему эту историю. Что и послужило вдохновением для Джона Копли.

Читать еще:  Тепловые счетчики на отопление — экономно и выгодно

#7. Композиция VIII Василия Кандинского, 1923

С самого детства Кандинский был очарован цветом. Художник считал, что он обладает трансцендентными свойствами. Свои композиции Кандинский писал как композитор симфонии. Каждая композиция отражала видение художника в свой период времени. Кандинский использовал в своих работах геометрические фигуры, потому что верил в их мистические свойства. Цвета же фигур отражали эмоции.

#8. Сатурн, пожирающий сына, Франсиско Гойя, 1823

К старости Гойя оглох, ухудшилось и его здоровье в целом, как физическое, так и психологическое. Именно с этим историки связывают написание им серии из 14, как их назвали «Мрачных картин». Которые он писал внутри на стенах своего дома. «Сатурн, пожирающий сына» – одна из них. Это общеизвестный древнегреческий миф о титане Кроносе (позже римляне переименовали его в Сатурна). Кроносу предсказали, что его свергнет его собственный сын. И Сатурн поедал всех своих новорождённых детей. У Гойи Сатурн изображён страшным полусумасшедшим стариком, который поедает не младенца, а взрослого ребёнка. Есть много толкований смысла данного полотна. Но самое главное это то, что художник писал её не для общественности. Возможно, таким образом, Гойя пытался изгнать своих собственных демонов.

#9. Олень у Шарки, Джордж Уэсли Беллоуз, 1909

Художник изобразил обыденную сцену из повседневной жизни в Нью-Йорке начала 20 века. Частный бойцовский клуб какие располагали обычно в бедных кварталах. «Оленями» там называли посторонних, которые не были членами клуба. Они получали временное членство для того, чтобы провести бой. Беллоуз написал картину в таком ракурсе, что когда ёё разглядываешь, создаётся впечатление, что ты находишься среди зрителей боя.

#10. Друг познаётся в беде, Кассий Марцелл Кулидж, 1903

«Друг познаётся в беде» – самая популярная картина из серии «Dogs Playing Poker» Кассиуса Марцелла Кулиджа. Эта серия была заказана Кулиджу компанией Brown & Bigelow для рекламы сигар. Хотя картины Кулиджа никогда не считались критиками подлинным искусством, с тех пор они стали культовыми.

#11. Едоки картофеля, Винсент Ван Гог, 1885

Ван Гог хотел изобразить крестьян такими, какие они есть на самом деле. Он хотел показать совершенно иной образ жизни, отличный от высших классов. Позже он написал своей сестре и заявил, что «Едоки картофеля» – его самая успешная картина.

#12. Плот Медузы, Теодор Жерико, 1819

Полотно “Плот Медузы” (“Le Radeau de la Méduse”) изображает последствия крушения французского военно-морского фрегата “Медуза”. Часть людей поместилась в шлюпки, для остальных 147 человек наспех соорудили плот. Шлюпки буксировали плот. Но, капитан, заметив, что плот слишком тяжел, приказал обрубить канаты. Почти полторы сотни людей были брошены на произвол судьбы без еды и воды. За 13 дней их путешествия на плоту, с призрачной надеждой на спасение, из 147 человек выжили 15. Обезумевшие от голода и жажды люди поедали друг друга и пили кровь. Эту позорную историю Франция хотела замять, но слишком уж вопиющей она была и это не удалось.

#13. Бурлаки на Волге, Илья Репин, 1873

Эта работа самая известная у Ильи Репина. Картина стала культовой. Работа, которую провёл художник была нешуточной. Со всеми бурлаками, изображёнными на картине Репин познакомился лично. Художник написал сотни эскизов и потратил на эту работу целых 5 лет. И историки, и современники считают картину прямым осуждением тяжёлого труда угнетённых классов. Хотя, Репин всегда открещивался от подобного мнения.

#14. Сусанна и старейшины, Артемизия Джентилески, 1610

«Сусанна и старейшины» – это библейская история из Ветхого Завета. Во времена императора Навуходоносора еврейский народ попал к вавилонянам в рабство. Среди них были Сусанна с её мужем Иоакимом. Женщина обладала неземной красотой и двое старейшин возжелали её. Они пригрозили ей, что если Сусанна не будет с ними ласкова, то они скажут народу, что она прелюбодейка. Женщина отказалась, и старейшины исполнили свои угрозы. По еврейским законам её приговорили к смерти. Но тут вмешался молодой пророк Даниил. Он придумал допросить мужчин сначала отдельно, а потом вместе. Их версии не совпали, клевета вскрылась. Сусанну оправдали, а старейшин казнили. Очень примечательно, что художнице было всего 17, когда она написала эту картину. Для самой Артемизии она стала пророческой, ибо с ней, впоследствии, произошла подобная история.

#15. Клиника Гросса, Томас Икинс, 1875

Сюжет этой картины основан на операции, свидетелем которой являлся Икинс. Проводил её один из лучших хирургов Америки доктор Сэмюэл Гросс. Операция проводилась в аудитории на глазах студентов с целью обучения. Доктор показывал как проводить лечение инфекции с помощью консервативной операции, а не ампутации всей конечности (что было стандартным для того времени). Полотно изображает действительность без прикрас: и спокойный профессионализм Гросса, и страдание женщины в левом нижнем углу. Исследователи считают, что мать пациента. Критики и зрители работу оценили, к разочарованию Икинса, крайне негативно. Люди, спокойно созерцающие сюжеты кровавых битв, оказались не готовы лицезреть реализм медицинской операции.

#16. Странник над морем тумана, Каспар Давид Фридрих, 1818

«Странник над морем тумана» («Der Wanderer über dem Nebelmeer») – полотно, где художник остался верен своему романтическому стилю. На картине Фридрих изобразил самого себя, одиноко стоящего спиной к зрителю на тёмной крутой скале. «Странник над морем тумана» – метафора. Она о саморефлексии, о неизвестном будущем. Фридрих об этой работе сказал так: «Художник должен рисовать не только то, что у него перед собой, но и то, что он видит внутри себя».

#17. Сборщицы колосьев, Жан-Франсуа Милле, 1857

На картине «Сборщицы колосьев» («Des glaneuses») изображены три крестьянки, которые собирают оставшиеся, после уборки поля, колоски. Тяжёлый смиренный труд крестьян вызывал сочувствие у художника. Именно эти эмоции выразились в картине. Но в обществе работа вызвала негативную критику со стороны высших классов. Франция недавно пережила революцию и представители знати посчитали эту картину неприятным напоминанием о том, что французское общество построено на труде низших классов. А так как в то время рабочий класс превосходил численность высшего класса, побоялись, что картина, каким-то образом, может подтолкнуть низший класс к восстанию.

#18. Крик, Эдвард Мунк, 1893

“Крик» – один из самых загадочных шедевров мировой живописи. Мунк говорил, что как-то он вышел на прогулку на закате. Свет заходящего солнца окрасил облака в кроваво-красный цвет. И Мунк вдруг услышал, почувствовал, как он выразился, «бесконечный крик природы». Другое объяснение могло быть результатом эмоционального состояния Мунка, поскольку его сестра совсем недавно была отправлена ​​в сумасшедший дом. Эту картину много раз похищали. Сюжет можно считать пророческим: в конце 19 века Мунк описал катастрофы века 20.

#19. Большая волна от Канагава, Кацусика Хокусай, 1829 – 1833

Композиция состоит из трех основных элементов: штормящего моря, трёх лодок и горы. Гора со снежной вершиной – гора Фудзи, которую японцы считают священной. Это символ национальной идентичности и красоты. Такие необычные для азиатской живописи игры с пространством и яркие цвета. Картина символизирует страх человека перед неукротимой стихией и вынужденная покорность ей.

#20. Звёздная ночь, Винсент Ван Гог, 1889

«Звёздная ночь» – шедевр, увидев который лишь однажды, вы больше никогда его не забудете. Художник написал её, находясь в больнице для душевнобольных. Эти вихревые потоки, огромные звёзды. Некоторые считают, что Ван Гог изобразил вид из окна. Но больным не разрешали выходить на улицу, даже работать в палате воспрещалось. Брат Винсента упросил руководство больницы выделить ему комнатку, чтобы он мог писать. Исследователи полагают, что Ван Гог изобразил на своей картине такое явление как турбулентность — вихревые потоки из воды и воздуха. Этого нельзя увидеть, но обострённое восприятие художника помогло узреть ему то, что скрыто от глаз обычных смертных.
Прочтите ещё одну нашу статью о 10 пропавших и вновь обретённых шедеврах великих мастеров .
По материалам boredpanda.com

Понравилась статья? Тогда поддержи нас, жми:

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector